¡Arte con neumáticos!

Otra manera completamente nueva e innovadora de hacer. Ji Yong Ho no sólo consigue unas esculturas magníficas sino que encima están hechas con neumáticos reciclados.

Otra manera de hacer arte

Parece que las maneras de hacer arte son indefinidas en este mundo, ha surgido una nueva moda que trata de pintar con los dedos consiguiendo unos efectos magníficos.

Este tipo de arte lo practica una artista muy famosa llamada Iris Scott.

Iris Scott, es una talentosa artista de 28 años que crea impresionantes pinturas en oleo, utilizando nada más que un par de guantes quirúrgicos y sus dedos.

La idea de pintar con los dedos, le llegó a Iris de casualidad en 2009, cuando se encontraba viviendo en el sur de Taiwan. Ella iba a retocar algunas flores amarillas en una de sus pinturas, pero los pinceles que tenía a su disposición estaban manchados de otro color. Como no quería parar para ir a lavarlos, decidió hacer retoques rápidos con los dedos, sin imaginar que este “pequeño” detalle, cambiaría por completo su estilo.

Desde entonces Iris no volvió a utilizar más los pinceles y, combinando su apetito para viajar junto con una sana obsesión por la pintura, ha hecho de ella una artista impresionista contemporánea prolífica. ¡Disfruten!

Sin duda es una de mis artistas favoritas y entre todos sus cuadros mi favorito es uno de sus más famosos, la verdad es que la sensación de movimiento y el recorrido que hace el agua es fascinante.

Por si se han quedado con ganas dejo un vídeo donde Iris Scott explica como aplica su técnica

Didi Sand "Feliz día de la mujer"

Es increíble las maneras indefinidas que existen de hacer arte, Didi Sand es una artista cuyo principal material es la arena. Ha hecho muchas exposiciones pero en este vídeo podemos observar una de las más importantes realizada el 7 de Marzo de 2013 y se hizo en honor a todas las mujeres y a su derecho a ser libres.

¿Nos hace la música más inteligentes?

La música nos produce bienestar porque estimula nuestro sistema de recompensa cerebral que libera dopamina y eso nos hace sentir bien. Es beneficioso desde la perspectiva emocional escuchar música, pero desde la perspectiva cognitiva es mejor practicarla. Así, por ejemplo, la activación simultánea de áreas sensoriales y motoras al tocar un instrumento musical conlleva la mejora de capacidades generales como la memoria de trabajo o la atención. No obstante, existen muchos malentendidos al respecto.

¿Nos hace la música más inteligentes?

Hay diversos estudios que sugieren que los niños que reciben educación musical obtienen mejores resultados académicos. Sin embargo, la existencia de una correlación no significa que haya una causalidad. El niño puede obtener estos mejores resultados debido a otros factores relacionados, por ejemplo, con sus propias capacidades o con el entorno familiar en el que se desarrollan.

Cuando se utilizan diseños experimentales rigurosos en los que existe un grupo de niños asignados de forma aleatoria que recibe instrucción musical y otro grupo de control que no la recibe, los resultados son diferentes. Y aunque pueda parecer sorprendente, ha habido muy pocos experimentos de este tipo y con resultados poco esclarecedores sobre los beneficios cognitivos que reporta la actividad musical.

El grupo de investigación de Elisabeth Spelke ha analizado estas cuestiones en una investigación muy reciente (Mehr et al., 2013). En uno de los experimentos se asignaron de forma aleatoria 29 niños de cuatro años de edad a clases de música o de artes visuales de 45 minutos durante seis semanas. Después de ese período de tiempo se realizaron una serie de pruebas y no se encontraron diferencias en las que medían la competencia lingüística y matemática de los niños de ambos grupos y una diferencia muy pequeña en las pruebas espaciales. Como réplica al anterior experimento, los investigadores diseñaron otro similar en el que ahora participaron 45 niños que fueron asignados al grupo experimental que recibía las clases de música o a un grupo de control que no recibía ningún tipo de instrucción. Y en este caso no hubo prácticamente diferencias entre los dos grupos (ver figura 3):

¿Quiere decir esto que la instrucción musical no produce beneficios cognitivos? Evidentemente no. Por una parte hacen falta más estudios que complementen esta investigación y por otra este estudio no medía la inteligencia general de los niños como sí hacían otros sino que iba más encaminado a analizar áreas específicas como la de matemáticas. Lo cierto es que, como manifiesta la propia Elizabeth Spelke, el debate sobre la importancia de la educación musical en particular, o la artística en general, no debería centrarse en los beneficios externos (como puede ser la mejora matemática que se pone en duda en el estudio comentado) sino en los beneficios inherentes al arte como son los relacionados con cuestiones emocionales o sociales. Y esos no requieren ninguna demostración empírica.

En 1993 apareció en la revista Nature un artículo en el que se informaba sobre una mejora temporal en el razonamiento espacial en adultos al escuchar durante 10-15 minutos a Mozart (Rauscher et al., 1993). Este hallazgo fue totalmente distorsionado por los medios de comunicación  haciendo creer que la exposición temprana de los niños a la música clásica mejoraría su cociente intelectual.  Lo cierto es que no se ha comprobado nunca esto y el llamado “efecto Mozart” hay que considerarlo un neuromito más.

La importancia de la música en nuestro cerebro

Escuchar una canción alegre puede subir nuestro animo , si oímos un tema deprimente, sentirnos pesimistas o, en el caso de una melodía suave, relajarnos y afrontar mejor el momento.

No hay duda de que la música afecta nuestro estado anímico y provoca una serie de sensaciones, pero ¿Sabes cómo afecta la música a nuestro cerebro? Un estudio de la Universidad de Florida, lo reveló.

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Dónde se interpretan la música en la estructura cerebral

Todo lo que hacemos, responde a la acción de diferentes zonas del cerebro y, en el caso de la música, esta se descompone e interpreta de forma separada:

• Ritmo: Corteza frontal izquierda, corteza parietal izquierda, cerebelo derecho.
• Tono: Corteza pre frontal, cerebelo, lóbulo temporal.
• Letra: Área de de Wemicke, Área de Broca, Corteza motora, Corteza Visual y las zonas correspondientes a las respuestas emocionales.

Como ven, la música despierta a casi todo el cerebro y, no por nada muchos de los genios más importantes, como Einstein, tenían una fuerte pasión por ella. Además, se cree que influye en el desarrollo de la inteligencia.

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Qué efectos provoca la música en nuestro cerebro y salud

La música, demostró influir no sólo en el estado actual al momento de escucharla, sino que también en el desarrollo de las personas a largo plazo. Estudios, indican que puede ser beneficial para el tratamiento de algunas enfermedades.

Quienes escuchan música desde pequeños y de forma constante, tienen mejores habilidades de lenguaje, son mas creativos y felices.

El oír música, ayuda a bajar los niveles de ansiedad, disminuir el dolor, hacer más rápida la recuperación de los enfermos, además de convertimos en personas más optimistas.

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Existen varios desordenes neurológicos que, si bien no tienen cura, utilizan la música como una forma de tratamiento. Entre ellos están el Alzheimer, enfermedad de Parkinson, síndrome de Tourette y las diferentes formas de autismo.

Un estudio en Estados Unidos comprobó que quienes tenían algún tipo de educación musical, ya sea en interpretación de instrumentos o apreciación, rendían mejor en los exámenes de ingreso a la universidad.

Quienes estudiaron apreciación musical, sacaron 61 puntos más que sus pares en pruebas verbales y 42 en las matemáticas. En el caso de quienes tocaban instrumentos, la diferencia fue de 53 y 39 puntos respectivamente.

Qué esperas. Mejora tu día a día y hasta tu salud, con agradables melodías que no sólo te hacen sentir mejor, sino que suben tu intelecto.

¿POR QUÉ ENSEÑAR LAS ARTES?

Los estudios que han analizado la implementación de la educación artística en el aula han revelado que los efectos más potentes se encuentran en aquellos programas que se  integran plenamente en las asignaturas del currículo y que cuando ocurre esto se obtienen múltiples beneficios relacionados con el aprendizaje de los alumnos y su comportamiento. Rabkin y Redmond (2004) han identificado los más significativos:

• Existe un mayor compromiso emocional de los alumnos en el aula.
• Los alumnos trabajan de forma más activa y aprenden unos de otros.
• Los grupos de aprendizaje cooperativo convierten las clases en comunidades de aprendizaje.
• Se facilita el aprendizaje en todas las asignaturas a través de las artes.
• Los profesores colaboran más y tienen mayores expectativas sobre sus alumnos.
• El currículo se vuelve más real al basarse en un aprendizaje por proyectos.
• La evaluación es más reflexiva y variada.
• Las familias se involucran más.

Desde la perspectiva neuroeducativa, nos interesan especialmente tres factores imprescindibles para el aprendizaje que las artes pueden mejorar:

La memoria

En un estudio con alumnos de quinto grado (10-11 años) se diseñaron unidades didácticas relacionadas con materias científicas (astronomía y ecología) siguiendo dos procedimientos distintos: en uno se utilizó el enfoque tradicional y en el otro se integraron las artes en la unidad. Así, por ejemplo, en el segundo caso, los alumnos realizaban actividades con objetivos didácticos definidos que incluían actuaciones teatrales, dibujos de posters, recreación de movimientos o utilización de la música. El análisis de los resultados reveló que los alumnos que participaron en la unidad didáctica en la que estaban integradas las actividades artísticas mejoraron la llamada memoria a largo plazo, especialmente los alumnos con dificultades lectoras (Hardiman et al., 2014).

Las emociones

En un estudio longitudinal que duró tres años se quiso analizar cómo afectaba la integración de diferentes programas artísticos al desarrollo personal de alumnos con edades entre 9 y 15 años que pertenecían a entornos socioeconómicos desfavorecidos. En la primera parte del programa se permitió elegir a los alumnos del grupo experimental entre diferentes formas artísticas como la música, la pintura, la grabación de videos, la escritura de guiones o el  diseño de máscaras; en la segunda se profundizó más en los medios elegidos a través de un trabajo cooperativo; y en la etapa final en la que intervenían todos los alumnos se escenificó una obra de teatro y se grabó un video sobre la propia comunidad escolar. Los tres años de aplicación del programa revelaron que los estudiantes mejoraron sus habilidades artísticas y sociales, redujeron sus problemas emocionales y, en general, desarrollaron más que el grupo de control toda una serie de competencias interpersonales como la comunicación, la cooperación o la resolución de conflictos (Wright et al., 2006).

La creatividad

Las artes enseñan a los niños que  los problemas reales suelen tener más de una solución posible, que es necesario analizar las tareas desde diferentes perspectivas, que la imaginación es una  poderosa guía en los procesos de resolución o que no siempre existen reglas definidas cuando tienen que tomar decisiones (Eisner, 2004).

Cuando se integran las disciplinas artísticas en las prácticas pedagógicas se promueve el pensamiento creativo y divergente en los alumnos y no solo eso, sino que también desarrollan un pensamiento más profundo. Un ejemplo sobre esto último lo podríamos encontrar en el programaArtful Thinking  desarrollado por el  Proyecto Zero de Harvard que utilizaba el poder de las imágenes visuales (ver figura 2), como las de las obras de arte, para estimular en los alumnos procesos como la curiosidad, observación, comparación o relación entre  ideas imprescindibles para el desarrollo del pensamiento creativo y del aprendizaje (Hardiman, 2012).

El cerebro artístico

El arte en todas sus manifestaciones constituye una característica esencial que identifica al ser humano, ha permitido transmitir la cultura en toda su extensión y  ha sido y es básico para su supervivencia. Nuestro cerebro plástico necesita el arte. Ya en los primeros años y de forma natural el niño juega, canta, baila, dibuja y todas estas actividades son imprescindibles para su correcto desarrollo sensorial, motor, cognitivo, emocional y en definitiva cerebral que le van a permitir aprender a aprender. Y realizando todas estas actividades el niño se divierte, muestra orgulloso sus resultados a los demás, intenta mejorar y ésta es una forma efectiva de entrenar una de las grandes virtudes del ser humano: el autocontrol. La educación artística es una necesidad no porque nos haga más inteligentes sino porque nos permite adquirir toda una serie de competencias y rutinas mentales que están en plena consonancia con la naturaleza social del ser humano y que son imprescindibles para el aprendizaje de cualquier contenido curricular. Y esto es útil para todos los alumnos, por lo que se convierte en una forma estupenda de atender la diversidad en el aula.

EL CEREBRO ARTÍSTICO

Las neuroimágenes cerebrales revelan algunos indicios de por qué las actividades artísticas son tan importantes. Así, por ejemplo, se sabe que ciertas estructuras de la corteza auditiva solo responden a tonos musicales, que una parte importante del cerebro y del cerebelo interviene en la coordinación de todo tipo de movimientos, como en el baile, que en las recreaciones teatrales regiones del cerebro especializadas en el lenguaje oral que están conectadas con el sistema límbico nos proporcionan el componente emocional o, referido a las artes visuales, que nuestro sistema de procesamiento visual genera imágenes reales o ficticias con la misma facilidad (Sousa, 2011).

Como podemos ver en la figura 1, cada actividad artística activa diferentes regiones cerebrales. La música se procesa en la corteza auditiva  que está en el lóbulo temporal, las artes que conllevan movimiento como el baile o el teatro activan la corteza motora, las artes visuales como la pintura se procesan principalmente en los lóbulos occipital y temporal, mientras que la poesía o la prosa implican a las áreas  de Broca y Wernicke relacionadas con el procesamiento lingüístico (Posner et al., 2008).

AIRE ( Arte, Innovación, Responsabilidad y Ecología)

No muchas personas verían una pared en blanco como un problema, pero para Mathieu Reumaux (MR) y Alejandro González (AG) sí lo era. Afortunadamente, encontraron una innovadora solución: el KNOxOUT, una pintura fotocatalítica. Con este producto, además de embellecer su muro, podían purificar el aire. El descubrimiento llamó tanto su atención que se propusieron pintar cada gran avenida con este material, así nació la Asociación AIRE (Arte, Innovación, Responsabilidad y Ecología). Su mural más grande hasta ahora está en El Agustino, el distrito más contaminado de la novena ciudad con la peor calidad de aire del mundo: Lima.

Este podremos tomarlo como perfecto ejemplo de hasta qué punto se puede desarrollar la practicidad y funcionalidad del arte, que no siempre ha de estar reñido con los recursos, sino que puede, como en este caso, generarlos.

Cien años de belleza en Corea

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En este vídeo podemos apreciar la evolución de las distintas formas de belleza a lo largo de la historia tanto en Corea del Norte como en Corea del Sur

La importancia de la Cultura Visual en la educación

Jamás olvidaré aquel momento en que mi profesor de laboratorio le preguntó a uno de los alumnos: ¿tú ves muchas fotografías, verdad? Entonces, me acerqué a sus imágenes y descubrí que tenían algo especial, estaban muy bien compuestas, desprendían buen gusto. Por aquel entonces yo tenía 18 años y ningún conocimiento de historia de la fotografía, pero esas palabras se quedaron rondando en mi mente.

De aquel tiempo a esta parte el mundo de la fotografía ha crecido a pasos agigantados. Tenemos a nuestro alcalce millones de imágenes a golpe de click, quizá demasiadas para nuestro entendimiento. Pero ahí están. Podemos valorar interiormente, comentar públicamente. No obstante, ¿hasta qué punto puede ésto servirnos como fotógrafos?

Indudablemente depende de para qué utilicemos la fotografía. Si nuestra meta está enfocada aexponer en galerías y pertenecer a un grupo más artístico, tendremos que poner nuestra mirada en los grandes fotógrafos, porque sólo ellos han llegado al olimpo siendo parte de los más importantes múseos y son ellos quienes nos van a dar las pistas para ir educando a nuestro ojo devorador de imágenes, que actúa sin cierto criterio a veces.

El Museo del Louvre, uno de los mejores contenedores visuales del mundo.

Si queremos movernos en este terreno, no vale con encerrarnos delante de nuestro ordenador. Debemos experimentar las sensaciones que nos provoca ver una exposición en vivo. Tratar no sólo de entender lo que se nos está planteando (para ello es muy bueno, si no conocemos al autor, ayudarnos con folletos explicativos) si no fijarnos en lo material, cómo se presentan las imágenes, tipos de papel, soportes. Pensar para nosotros mismos cómo hubiésemos hecho ese tipo de fotografía, de exposición. A la larga son ejercicios que agudizan nuestra capacidad creadora.

Pero no sólo de fotografías podemos nutrirnos, la pintura y la escultura nos abren otra dimensión. Pensar en fotografía a través de la pintura puede ser muy enriquecedor. Tenemos que tener en cuenta que los cánones de representación de la fotografía vienen marcados por laperspectiva, ésa que se inventó en el Renacimiento y de la que actualmente se sigue hablando cuando mostramos una foto. Luces, claroscuros, colores, un sinfín de fuentes de inspiración para nuestro trabajo. La escultura es ideal para reconocer los volúmenes, para pensar en tridimensional y ejercitar nuestra mirada que nos ayudará mucho a la hora de hacer retratos.

La cultura visual nos rodea lo queramos o no. El cine puede ser también un recurso de lo más inmediato. Intentad ver las películas analizándolas desde un punto de vista estético, centrándote en los planos más allá de la historia. Y luego da un paso más, si una película te ha gustado formalmente, echa mano de los créditos finales e investiga sobre su director de fotografía, eso te llevará a ver más imágenes para enriquecerte visualmente, es lo que nos interesa.

El camino hacia una cultura visual hay que recorrerlo día a día.

En definitiva, nútrete de imágenes consideradas de calidad por la crítica. Por supuesto que un fotógrafo debe tener instinto, pero también se nota mucho cuando tiene una fuerte cultura visual a sus espaldas.

Y no olvides que la lectura también es importante en esta aventura, para ello, puedes empezar con “La visión fotográfica. Curso de fotografía para jóvenes fotógrafos” de Eduardo Momeñe. Una guía que te llevará por buen camino si necesitas orientarte entre tanta cultura visual.

25 Curiosidades sobre el arte

01- El nombre completo de Pablo Picasso era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispín Crispiano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso.


02- En el mundo del arte, existen 105 tonalidades del color rojo hasta ahora conocidas, unas de las más peculiares son: el rojo Ferrari, rojo semáforo y rojo diablo.

03- El cuadro más grande del mundo es la batalla de Gettysburg, pintado en 1883 por Paul Philippoteaux y 16 de sus ayudantes, quienes trabajaron durante dos años y medio. Mide 125 metros de longitud por 21 metros de altura y pesa 5,349 kilos. En 1964, la pintura fue comprada por Joe King.

04- La pintura más grande del mundo (pintada por una sola persona) mide 8,000 metros, se llama "Madre tierra" y es obra del pintor sueco David Aberg.

05- Un error, dramático y casi fatal, señaló el nacimiento de Pablo Picasso. La partera, creyéndolo nacido muerta, lo había abandonado sobre una mesa; mas su tío, un médico que fumaba puro, lo revivió con una ráfaga del aire necesario (aunque lleno de humo) en sus pulmones.

06- Carlos Willson Peale, retratista norteamericano que pintó siete veces del natural a Jorge Washington, también hizo para él novedosas dentaduras: dientes de alce montados en plomo.

07- Cuando ganó 100,000 francos en la lotería estatal, comprada en el Crédit Foncier en 1891, Claude Monet se hizo independiente financieramente. Pudo entonces vivir como quería hacerlo, y lo hizo, vagando y pintando el campo francés.

08- La galería de arte más grande es el Palacio de Invierno en San Petesburgo, Rusia. Se tiene que caminar 24 kilómetros para visitar cada una de las 322 salas, que alojan cerca de 3 000 000 de obras de arte y restos arqueológicos. 

09- En su "lucha desesperada por liberar el arte del lastre del mundo de objetos", el pintor soviético Kasimir Malevich, en 1913, "se refugió en la forma de un cuadrado negro sobre fondo blanco fue una de las primeras pinturas puramente "abstractas". 

10- El jardín de las delicias, del pintor holandés El Bosco (Hieronymus Bosch, 1450-1516), es la pintura donde más personajes aparecen. Este tríptico con alusiones morales tiene más de 450 personas y numerosos animales reales e imaginarios. La obra se puede apreciar actualmente en el Museo del Prado, en Madrid, España. 

11- Claude Monet trabajaba, en los campos herbosos de los acantilados en Etretat, sobre cinco o seis pinturas a la vez. A medida que cambiaba el tiempo, él pasaba de una tela a otra. 

12- Paul Cézanne fue rechazado por la Ecole des Beaux-Arts cuando solicitó su entrada.

13- Se sabe que Vincent van Gogh tan solo vendió una sola pintura. 

14- Los cuadros más caros hasta el día de hoy pintados por animales son los de "Los elefantes del santuario de Maesa", en el poblado de Chiang Mai, Tailandia; pintaron los cuadros titulados "Por sus Cuidadores"- Cold Wind, Swirling Mist y Charming Lanna, los cuales fueron adquiridos por Panit Warin a un precio de 39,000 dólares, el 19 de febrero de 2005. 

15- En su juventud, Picasso se mantenía caliente quemando algunos de sus dibujos. 

16- Van Gogh comenzó a pintar a los 27 años. 

17- El género de pintura conocida como cubismo derivó su nombre de una observación derogatoria hecha por Matisse con referencia a un cuadro de Braque. Matisse dijo que el paisaje parecía como si estuviera formado completamente de pequeños cubos. 

18- Tanto Leonardo da Vinci como Miguel Angel fueron acusados de efectuar disecciones en personas vivas para realizar sus estudios anatómicos. Por esta razón, el Papa Leo negó permiso a Leonardo para estudiar anatomía en el Hospital de Roma. 

19- La razón por la que existen pinturas de personajes con 6 dedos fue debido a la tradición durante el Renacimiento; mencionaba que esta anomalía era indicio de un sexto sentido, la capacidad para tener sueños o visiones proféticas. Entre los ejemplos más destacados sobresalen La Madonna Sixtina (1516), de Rafael.

20- Leonardo da Vinci tardó cuatro años en terminar "La Mona Lisa" (1503-1507).

21- Las obras de arte más antiguas son las pinturas de animales paleolíticos descubiertos en cuevas prehistóricas en la Francia Meridional (Lascaux) y la España Septentrional (Altamira). Las pinturas, que son soberbias, datan de 30,000 a 10,000 años a. de C. 

22- Paul Cézanne tenía 56 años de edad cuando inauguró su primera exposición de un solo hombre en la Galería de Vollard, una tienda en la Rue Laffitte de París, en 1895. 

23- Después de pintar su obra más famosa, Desnudo bajando la escalera, que fue causa de una gran controversia al exhibirse en la exposición Armony de Nueva York en 1913, el cubista francés Marcel Duchamp abandonó la pintura en favor de la “escultura confeccionada”. Después, en los últimos 40 años de su vida, abandonó completamente el arte para dedicarse al ajedrez.

 

24- En 2008 el inglés Adam Neate (nacido en 1977) repartió en distintos sitios de Londres mil cuadros de su autoría. Estos fueron dejados en parques, estaciones de metro o debajo de puentes, para que cualquier persona interesada se las llevara a casa. Según los cálculos, sus obras están valuadas entre 1,500 y 7,500 dólares, lo que hace un total aproximado de 1,5 millones de dólares regalados. En palabras de Neate, lo hizo como una forma de protesta contra el mercado del arte, el cual, a su juicio, está muy inflado y sobrevalora la obra de sólo algunos artistas. 

25- La Ciudad de México es la ciudad que posee el mayor número de museos que cualquier otra ciudad en todo el mundo.